LAS INSCRIPCIONES ESTÁN ABIERTAS . El Museo Comunitario abre su ciclo de talleres artísticos: una apuesta a la formación cultural

Por Laura Méndez

De la Redacción de El Tiempo

Con el objetivo de seguir consolidándose como un faro de encuentro y aprendizaje para la comunidad, el Museo Comunitario anunció el inicio de su variada oferta de talleres para este año.

La propuesta destaca por un cuerpo docente de primer nivel y una premisa fundamental: garantizar el acceso a la cultura a través de valores accesibles para todos los vecinos.

La grilla de capacitación para este ciclo busca abarcar distintas vertientes del arte, desde la expresión plástica hasta la exploración de la voz y la palabra:

Muralismo: El reconocido artista Gerónimo Fabián estará al frente de este taller, invitando a los alumnos a intervenir el espacio público y comprender la escala monumental del arte urbano.

Dibujo y Pintura: Mauro Fiorenza dictará clases adaptadas para los niveles inicial e intermedio, permitiendo que tanto principiantes como aficionados avanzados encuentren un espacio para perfeccionar su técnica y estilo personal.

Dibujo Académico: Para quienes buscan una formación técnica rigurosa basada en la observación y la proporción, Mariela Bevacqua liderará este espacio de formación clásica.

Escritura terapéutica: La disciplina literaria se aborda desde una perspectiva de bienestar personal con Julieta Galizio, quien brindará herramientas para utilizar la escritura como un canal de expresión emocional y autoconocimiento.

Laboratorio Vocal: En una nueva edición, Paula Villamayor regresa para guiar a los alumnos en el descubrimiento de sus capacidades sonoras, trabajando la técnica y la interpretación de manera integral.

Uno de los grandes atractivos de este ciclo en el Museo Comunitario es que la experiencia no se agota en la sala. En varias de estas disciplinas, los participantes tendrán la oportunidad de formar parte de muestras anuales, permitiéndoles exhibir sus procesos y resultados ante el público, jerarquizando así su paso por la institución.

La inscripción ya se encuentra abierta y los cupos son limitados para garantizar una enseñanza personalizada.

Este medio dialogó con algunos de los talleristas, en tanto las entrevistas con los restantes saldrán en ediciones posteriores.

Mauro Fiorenza estará a cargo del taller de Dibujo y Pintura y se pueden comunicar al 15-568708.

Gero Fabián: "La destreza del docenteradica en identificar qué estilose adapta mejor a cada participante"

-¿Cómo adaptas la técnica según la edad o el nivel de los alumnos? (No es lo mismo enseñarle a niños que a adultos)

-El taller de dibujo y pintura está destinado a jóvenes y adultos.

Su apertura es tal que no pretende dejar a nadie afuera. Es el caso, por

ejemplo, de quienes tienen menos de 11 años y podrían verse excluidos por su condición etaria. Respecto a las actividades (siempre variadas, pero con el fin común de desarrollar la mirada), el nivel es el mismo para todos y todas ya que, según la planificación, responden a movimientos de la historia del arte.

La destreza del docente radica en identificar qué estilo se adapta mejor a cada participante para que se sientan cómodos, pues el objetivo final del espacio es el disfrute y el buen pasar.

-¿Qué importancia le das a la teoría antes de ir a la práctica? (Composición, teoría del color, historia del arte)

-En este espacio, la teoría va de la mano con la práctica: cada trazo y pincelada tiene su justificación. En la búsqueda personal, se intenta plasmar un sentido para que la obra final refleje su intencionalidad, quedando a criterio del artista manifestarlo o no.

El taller se organiza en tres módulos (sábados de 10 a 13), lo que permite

contextualizar la actividad, desarrollarla y analizarla en un clima de distensión y libertad: algunos prefieren profundizar en la teoría, otros se enfocan en el hacer, y muchos integran ambas dimensiones. Al sumarse, cada alumno accede de inmediato a un grupo de WhatsApp y a un Drive exclusivo con material biblio...

-¿Cómo manejas el proceso de diseño?, ¿los alumnos participan en el boceto o tú llevas una idea cerrada?

- El programa detalla las diversas técnicas que aplicaremos, permitiendo que cada alumno sea el creador de sus propios bocetos. El objetivo es que cada participante logre su propio cuadro; por eso, es natural que cada obra funcione como un universo único y personal.

- ¿Qué herramientas prefieres enseñar? pincel, rodillo, aerosol, técnica de la cuadrícula o uso de proyector

- Si bien cada alumno es libre de expresarse con los materiales que desee, mi especialidad es el óleo. No obstante, abordamos técnicas como bolígrafo, acuarela, pasteles, acrílicos o esmaltes, ya sea para emular a artistas específicos o por interés del estudiante.

Para el traspaso de la imagen al soporte, priorizamos como ejercicio el encaje académico: inscribimos la figura en formas geométricas, calculamos

proporciones (alto y ancho) y trazamos diagonales. Antes de entrar en detalles, definimos el contraste mediante luces y sombras para finalmente identificar volúmenes y texturas. Como alternativa para agilizar el proceso, contamos con la cuadrícula.

-¿Qué materiales soles pedir para un taller inicial?

-Para las prácticas de dibujo, suelo recomendar hojas de tonos neutros (tipo

cartulina o con una cartulina ahorras bastante) para trabajar con lápiz carbón, sanguina y lápiz blanco. No obstante, si no disponen de estos materiales, un lápiz 2B, goma y hojas A4 comunes son suficientes para comenzar. La premisa es que el aprendizaje no se detenga: trabajamos con lo que tenemos a disposición.

-¿Buscás un espacio donde la teoría y la práctica se encuentren en cada pincelada?

-En este taller, cada trazo tiene una razón de ser. Trabajamos desde la búsqueda personal, basándonos en los grandes movimientos de la historia del arte y la técnica de los maestros, pero con un objetivo final claro: el disfrute, la recreación y el buen pasar. Dibujo y pintura académica: Dominaremos la técnica del encaje (geometría, proporciones y diagonales), claroscuro y volumen.

Variedad de materiales y soportes: Mi especialidad es el óleo, pero exploramos desde el bolígrafo y la acuarela hasta pasteles y acrílicos, según tu inquietud o la demanda de la obra.

Sos el autor de tus propios bocetos. Aquí, la destreza docente está en acompañar tu estilo personal para que te sientas cómodo/a en todo el proceso.

Al inscribirte, accedés inmediatamente a: Grupo de WhatsApp activo para consultas. Drive exclusivo con material bibliográfico y recursos técnicos

recopilados desde el año pasado. Muestra final optativa: El objetivo es exponer entre 1 y 3 de tus obras en el Museo Comunitario (u otros espacios culturales).

Cursada: Sábados de 10 a 13 h (organizado en 3 módulos).

Materiales: Lo ideal es traer hojas de tonos neutros, lápiz carbón, sanguina y lápiz blanco. ¿No los tenés? No te preocupes: con un lápiz

2B, goma y hojas A4 comunes empezamos. La idea es trabajar con lo que tenemos a mano.

"Que la técnica nos haga libres".

Mauro Fiorenza: "trabajo con objetivos diferenciados pero conectados"

-Cómo logras equilibrar en una misma sesión el entusiasmo de un alumno de nivel inicial con la búsqueda de perfeccionamiento de uno de nivel intermedio?

-Para equilibrar en una misma sesión el entusiasmo de un alumno inicial con la búsqueda de perfeccionamiento de uno intermedio, trabajo con objetivos diferenciados pero conectados.

Con el principiante priorizo la motivación, la experiencia de logro y el disfrute del proceso, mientras que al alumno intermedio le propongo desafíos técnicos y expresivos más específicos. Sin embargo, ambos comparten momentos de exploración creativa y reflexión, de modo que el entusiasmo del inicial y la disciplina del intermedio se retroalimentan dentro del mismo espacio.

-¿En un mundo tan digitalizado, ¿cuál es tu estrategia para que el alumno valore la observación del natural y el trabajo analógico?

-En un mundo tan digitalizado, mi estrategia es integrar lo digital como herramienta, pero no como sustituto de la experiencia directa. Fomento la observación del natural y el trabajo analógico como base del desarrollo sensorial y perceptivo. Propongo ejercicios donde el alumno compare procesos digitales y analógicos, para que comprenda el valor del contacto directo con el material, el tiempo de ejecución y la observación consciente.

-¿Qué criterios utilizas para medir el progreso de un alumno de nivel inicial, donde el avance suele ser técnico, frente a uno intermedio, donde se busca más una "voz" propia?

-Para medir el progreso, en un alumno inicial observo principalmente la adquisición de fundamentos técnicos, la constancia y la capacidad de resolver problemas básicos de manera autónoma. En el nivel intermedio, en cambio, evalúo la toma de decisiones, la coherencia estética y el desarrollo de una voz propia. Más que comparar resultados entre niveles, me enfoco en la evolución individual y en la capacidad del alumno de reflexionar sobre su propio proceso.

Mariela Bevacqua: "El dibujo académico me ofrece un espacio de desconexión necesaria"

-¿Qué fue lo que te atrajo del dibujo académico en un mundo donde hoy predomina lo digital y lo abstracto?

-En un mundo donde todo es inmediato y digital, dedicar tiempo a una actividad manual es fundamental. El dibujo académico me ofrece un espacio de desconexión necesaria; es un ejercicio que nos obliga a trabajar la paciencia, gestionar la frustración y calmar la ansiedad. Es un momento de pausa en una realidad que está 100% conectada.

Respecto a lo abstracto, considero que en gran parte de las obras abstractas reside un estudio profundo de la técnica. Aprender las bases del dibujo no te limita a lo figurativo; al contrario, te da las herramientas para decidir cómo querés representar el mundo.

-¿Quiénes han sido tus grandes referentes o maestros que moldearon tu forma de entender la línea y la forma?

-Más que un único referente, mi visión se nutrió de la admiración por muchísimos artistas, tanto clásicos como contemporáneos. Sin embargo, mi mayor "maestro" ha sido el tiempo. La práctica constante y el hábito de dibujar y pintar me llevaron a comprender que, para romper las reglas o innovar, primero es vital conocer y dominar las bases.

-¿Cómo ha cambiado tu forma de ver un objeto común antes y después de dominar las bases académicas?

-Siempre he tenido una inclinación hacia lo académico. Mi perspectiva se basa en una premisa clara: entender las bases nos da libertad. Ese conocimiento técnico es lo que permite que, al momento de crear, uno pueda expresarse con mayor decisión y seguridad.

-Muchos alumnos llegan con miedo a la "hoja en blanco". ¿Cuál es el primer ejercicio que planteas para romper ese bloqueo?

-El bloqueo es algo natural que nos pasa a todos. Para superarlo, propongo trabajos guiados que quiten el peso de la "invención" inmediata. Empezamos desde la estructura de los objetos, el dibujo de copia y el natural (bodegones o elementos del entorno).

Además, fomento la exploración de materiales -carbonilla, lapiceras, tizas o distintos soportes-para que el alumno se concentre en el proceso y el material, perdiéndole el miedo al resultado final.

-¿Cómo logras que el rigor técnico no opaque la expresión personal y la creatividad de cada alumno?

-Técnica y creatividad no son excluyentes; caminan juntas. El dominio de los materiales es, en realidad, el cimiento sobre el cual se construye la identidad artística.

Suelo usar analogías con otras artes: en la música, necesitás conocer las notas y escalas antes de componer, o al menos saber cómo "tocar un instrumento" antes de hacer música; en la danza clásica, no podés usar puntas sin una preparación previa que cuide tu cuerpo. ¿Por qué en las artes plásticas debería ser distinto?

Incluso muchos artistas abstractos o no figurativos, demuestran dominio de las técnicas. La técnica no es una cárcel, es el lenguaje que te permite decir lo que quieras con claridad.

Mariela Bevacqua liderará el espacio de Dibujo Académico. Su número es 15-466746.