DEL 23 AL 25 DE OCTUBRE . La escultora Sonia Aguilar Centeno lleva su arte al Carrousel del Louvre por tercera vez

Por Laura Méndez

De la Redacción de El Tiempo

El talento azuleño vuelve a cruzar fronteras y a dialogar con los grandes escenarios del arte internacional. La escultora Sonia Aguilar Centeno se prepara para llevar su obra, por tercera vez, al prestigioso Carrousel del Louvre en París, consolidando una trayectoria marcada por la investigación del acero, el cuerpo y las emociones.

Este nuevo hito internacional se enmarca además en un presente de fuerte arraigo local, tras su reciente y celebrada participación en Sabores de Azul, una propuesta que mixturó el arte con experiencias sensoriales y acercó su trabajo de manera directa a la comunidad.

En medio de este recorrido que une el taller local con los templos mundiales de la cultura, la artista reflexiona sobre la maduración de su lenguaje escultórico, la resistencia del material y el profundo sentido de expandir sus horizontes sin despegarse de su lugar de origen.

Tercera participación en el Carrousel del Louvre

-¿Qué significa para vos transitar uno de los templos del arte mundial en París?

-Para mí tiene un significado muy especial. Hay algo muy fuerte en poder llevar una obra que nace y se construye en Azul, con mis materiales, mis tiempos y mi propia historia, hacia un espacio como el Carrousel del Louvre.

La obra sigue siendo la misma: lleva consigo el lugar desde donde fue creada.

Ese tránsito también me hace tomar conciencia del recorrido. El acero que trabajo en mi espacio de producción, en Azul, puede estar después en diálogo con obras de artistas de distintas partes del mundo. Y eso, para mí, tiene un valor enorme.

-Volver al Louvre por tercera vez implica una maduración en tu carrera. ¿Qué le aporta esta nueva presentación a tu recorrido como escultora en comparación con las anteriores?

-Cada participación fue diferente y llegó en un momento distinto de mi recorrido. La primera tuvo mucho de descubrimiento y de desafío: estar ahí, ver mi obra en ese contexto y entender que ese espacio también podía formar parte de mi camino.

Con el tiempo fui adquiriendo otra mirada sobre mi propio trabajo. Hoy voy con una obra que forma parte de una investigación que vengo desarrollando desde hace años alrededor del cuerpo, la resistencia, los vínculos y aquello que muchas veces no podemos expresar con palabras.

Esta tercera participación la vivo con más conciencia. Hay entusiasmo, por supuesto, pero también hay una mayor seguridad en lo que estoy construyendo, lo vivo como un proceso que sigue creciendo.

El proceso creativo

-¿Cómo es la trastienda de tu obra? ¿Cómo se construye tu lenguaje escultórico?

-Mi trabajo comienza muchas veces con una imagen, una sensación o una pregunta, antes que con una forma concreta. Después aparece el material y empieza un diálogo bastante físico con el acero.

El corte, el curvado, el amolado, la soldadura y el pulido forman parte de ese proceso. El acero tiene resistencia y memoria: cuando lo cortás, lo doblás o lo soldás, cada intervención deja una huella. Y eso me interesa porque también tiene que ver con el cuerpo y con nuestras propias experiencias.

Me interesa que conserve algo de esa transformación, de esa tensión entre lo que el material resiste y lo que finalmente puedo hacer con él.

La escultura aparece en ese encuentro entre una idea y la materia. Y muchas veces también entre lo que yo quiero hacer y lo que el propio acero me permite hacer.

Cuerpo, emoción y vínculos

-En tu obra escultórica trabajás profundamente el cuerpo, la emoción y los vínculos como un lenguaje universal. ¿Cómo se traduce esa búsqueda intimista al trabajar materiales tridimensionales y proponer una experiencia sensible al espectador?

-El cuerpo está muy presente en mi obra, aunque no siempre aparezca representado literalmente. Me interesa trabajar con formas que puedan sugerir una presencia, una tensión, un acercamiento, una separación o un encuentro.

El acero podría parecer un material frío y distante, pero justamente ahí encuentro una de las contradicciones que más me interesa. Es un material duro, resistente, pesado; sin embargo, puedo llevarlo hacia formas que hablan de fragilidad, cuidado, protección, deseo o vínculo.

Cuando una persona se acerca a una escultura, quiero que no solamente la observe. Me interesa que perciba el espacio que ocupa, que registre sus vacíos, sus tensiones, sus curvas. Que de alguna manera la obra también involucre su propio cuerpo.

Ahí aparece lo que para mí es fundamental: que una experiencia personal pueda transformarse en una experiencia compartida.

Las obras que viajan a París

-¿Con qué desafíos técnicos y conceptuales te encontraste al pensar las piezas que vas a llevar a París y cómo conviven con las que presentás en tus muestras locales?

-Trabajar para una exposición internacional también implica pensar la obra desde otro lugar. Hay cuestiones técnicas muy concretas: dimensiones, peso, traslado, embalaje, montaje y la manera en que la pieza va a ser percibida en un espacio que no conozco de la misma forma que conozco los lugares donde expongo en Azul.

Pero el desafío más importante es que la obra pueda sostenerse conceptualmente por sí misma. Que no dependa de que yo esté presente para explicar qué significa.

En los últimos trabajos estoy buscando cada vez más que el acero, la forma, el vacío y la relación con el espacio puedan construir ese lenguaje. Hay obras que nacieron pensando en una experiencia local y que después encontraron otra lectura al ser presentadas afuera.

Para mí no hay una obra para Azul y otra para París. Hay una misma investigación que va encontrando distintos espacios para desarrollarse.

Azul, el público y el recorrido

-Teniendo en cuenta que la semana expuso en Sabores de Azul, mixturan el arte con otras expresiones sensoriales. ¿Cómo vivís el contacto directo con el público local que ve crecer y transitar tu obra por el mundo?

-Lo vivo con mucha emoción, porque Azul no es solamente el lugar donde vivo: es también el lugar desde donde construí gran parte de mi recorrido como artista.

Mostrar acá una obra después de haberla llevado a otros lugares produce algo muy particular. Hay personas que conocen mis primeros trabajos, que vieron cómo fui cambiando, experimentando con el acero y buscando mi propio lenguaje. Entonces ese encuentro tiene otra profundidad.

Y también me interesa que la obra vuelva. Que después de estar en París pueda regresar a Azul y encontrarse con otras miradas.

Creo que ese es uno de los sentidos más importantes de ser artista: poder salir al mundo con lo que uno hace, pero sin perder el lugar desde donde comenzó todo. La obra viaja, cambia de contexto y adquiere nuevas lecturas, pero siempre conserva algo de su origen.

Para mí, llevar mi obra al mundo no significa alejarla de Azul. Significa ampliar su sentido.