MURALISMO Y EXPRESIÓN . Las próximas presentaciones de Laura Londoño en el marco del 8M

Por Laura Méndez

De la Redacción de El Tiempo

Laura Londoño es una artista visual y muralista colombiana cuya trayectoria se distingue por la convergencia entre la docencia en artes visuales, la danza y la expresión corporal. Su enfoque profesional se caracteriza por una sólida mirada interdisciplinaria, donde utiliza la arteterapia como un eje fundamental para la exploración creativa y el bienestar. A lo largo de su carrera, ha participado en diversas exposiciones de carácter nacional e internacional y ha profundizado en su formación a través de clínicas de obra con referentes como Claudio Gallina, Marta Ares y Marian Galarza, además de formar parte de la Clínica de Obra CREO del Fondo Nacional de las Artes. En el año 2020, su labor fue reconocida con la beca del Ministerio de Cultura de Colombia y el Grupo GEA para el laboratorio "Arte, salud y bienestar en contexto de pandemia.

En el marco de sus próximas actividades, la artista dictará un taller formativo en el Museo Comunitario, reafirmando su compromiso con la educación y la comunidad. Asimismo, el próximo 6 de marzo presentará en el espacio cultural La Criba su obra titulada "Nos-Otras", una propuesta que invita al espectador a una experiencia inmersiva para sentirse parte integral de la pieza. Finalmente, el 8 de marzo, coincidiendo con la conmemoración del Día Internacional de la Mujer y el duodécimo aniversario de Orún Aiyé, Londoño inaugurará un nuevo mural que busca dejar una huella artística y significativa en el espacio público.

"Son experiencias diversas que expandieron mi creatividad"

-¿Tenés un recorrido que va desde becas en Colombia hasta clínicas de obra con referentes en Argentina como Claudio Gallina o la clínica de obra CREO de Mariel Galarza del fondo Nacional de las Artes ¿Por qué crees que han sido importantes estas experiencias educativas no convencionales para vos?

-Aparte de las experiencias formales de las que aprendí mucho. Estas son experiencias diversas que expandieron mi creatividad de maneras muy distintas. Unas van más en línea con lo contemporáneo y otras me llevaron a lo comunitario y terapéutico. Pero lo más importante fue que me ayudaron a experimentar y ver el arte como una ventana abierta, un río donde caben múltiples enfoques entre ellos el arte como forma de conocerse, expresión y comunicación y la arteterapia como un nuevo recurso pedagógico.

Por otro lado, volviendo a las clínicas de obra, hacen que aprendamos a conceptualizar, a hacer crecer nuestros proyectos, o incluso a encontrar nuevos caminos.

A lograr un pensamiento más crítico, a conocer referentes que hayan tenido búsquedas similares, a nutrirnos de las poéticas grupales y aprender también de aspectos formales. En esos espacios aprendí a hacerle preguntas a mi obra, a profundizar en el concepto detrás de cada imagen y a entender mis procesos como una construcción de sentido que toma múltiples formas. Ese intercambio crítico, nos da herramientas para arriesgar más y para confiar en nuestras intuiciones creativas, como artistas.

Orún Aiyé: "valoro esta agrupación porque representan no solo lo femenino"

-¿Cómo han influido estas experiencias en la identidad visual que hoy vemos en el mural Umbral de la agrupación Tambores Orun Aiye?"

-Por otro lado, el mural que estamos haciendo se inaugura el 8 de marzo, las pinturas fueron patrocinadas por el Ministerio de la mujer y la diversidad en el Programa: "Ellas no estaban Pintadas". Que buscaba resaltar el valor de mujeres de la comunidad azuleña. Además de valorar la importancia de la cultura afro candombe: su música, danza, la unión colectiva como el fuego que alimenta la vida!, valoro esta agrupación porque representan no solo lo femenino, en términos de emancipación porque años atrás no habían grupalidades femeninas haciendo candomblé y las Orunas se animaron a poner el corazón en su proyecto y ya llevan 12 años haciéndolo. Ellas participaron pintando al igual que muchas personas que se acercaron al mural, entre ellas la Madre de Bruno que murió hace poco y era bailarín, y simbólicamente decidimos hacer un colibrí honrando su paso danzante en esta vida.

El mural es una experiencia comunitaria, lúdica y transformadora, un umbral para ver el pasado y reconocer la historia Afro en Azul, que muchos no conocen, y que tuve la suerte de conocer más gracias a Silvia Boggi, antropóloga, fotógrafa y participante de la agrupación. Es una forma de tejer memoria y hermandad, y de darle valor a lo afectivo que se teje en estos espacios. La idea es que sean un lugar de reunión, memoria, que inviten a reflexionar sobre la historia y que sea un lugar de esparcimiento y cultura. No elegí el lugar del mural al azar. Elegí el parque porque es el lugar donde las Orunas ensayan, además de ser un espacio de encuentro y convivencia con la naturaleza. También un vecino nos autorizó amablemente a pintar en su medianera. Es un llamado también a habitar con orgullo, cuidado y alegría estos espacios.

-En 2020 ganaste una beca sobre 'Arte, salud y bienestar en contexto de pandemia'. ¿Qué aprendiste en ese laboratorio que sigas aplicando hoy en tus clases del Museo Comunitario?

-Aprendí que el arte es una experiencia corporal, en la que hay entrega, libertad, presencia y en momentos pueden aparecer bloqueos, y para que fluya y se expanda y sea placentera hay que elegir la música acorde a la intención o la búsqueda, una respiración, un sonido, un poema, un ejercicio que inspire, una palabra, que acompañe y amplíe el proceso.

- Sos docente tanto de Artes Visuales como de Danza y Expresión Corporal. ¿Cómo estuvo involucrada la danza en este mural?

-Para mí fue importante que se compartiera música de raíz afro para pintar, o que muchas de ellas tocaran en vivo mientras otras pintabamos. Porque esos detalles nos predisponen a pintar desde la alegría. Incluso tuvimos momentos en los que parábamos a bailar. Por otro lado, cuando pinto, no estoy solamente aplicando color; estoy habitando el plano con el cuerpo entero. El movimiento influye en el trazo, en la energía de la línea, en la intensidad con la que aparece un color. También tiene que ver con sentir los colores, no pensarlos únicamente desde lo teórico. El cuerpo reacciona a ellos: hay colores que expanden, otros que contraen, algunos que piden más velocidad y otros más pausa.

Esa percepción física guía muchas decisiones. No lo vivo como algo separado de mí, sino como una experiencia donde cuerpo, emoción y color están sucediendo al mismo tiempo.

"Busco que se sientan parte de la obra"

-Por otro lado, mencionas que vas a participar en una exposición en la Criba -cómo se relaciona el arteterapia en esa obra. ¿Buscás que las mujeres que participen logren algún tipo de sanación o catarsis a través de la obra?

-En la exposición del 6 de marzo Nos-Otras. Busco que se sientan parte de la obra, que surjan preguntas, que se movilicen sentires. Veo la sanación más que como resultado, como proceso y una puerta a la transformación y al cambio que se agiliza cuando se da en colectivo.

-En las clases que vas a dar en el Museo Comunitario, ¿cómo fomentas que el estudiante no solo aprenda técnica, sino que use el arte como una herramienta de bienestar personal, tal como propone la arteterapia?

-Se busca que escuche su cuerpo, que logre estar presente, escuchar sus emociones, y en algunos casos transformarlas. Si yo te digo pinta la alegría o la ira, como una imposición y no como estímulo e invitación y como profesor no genero un clima para que eso pueda aflorar y transformarse, el resultado no va ser muchas veces profundo o visceral. Muchas veces me pasó en otras clases más tradicionales ver que los estudiantes no sabían que pintar y terminaban cayendo en lo decorativo. Yo misma atravesé esos procesos.

-Como muralista interdisciplinar, ¿cómo diseñaste esta obra para el aniversario de la Llamada de Mujeres? ¿Buscaste representar el movimiento de la danza o el ritmo del tambor en la imagen?

-El mural como memoria deja constancia y reconocimiento de la historia Afro en Azul, y de un presente donde es importante el volver a mirarnos, sin creernos más o menos que el vecino, por su procedencia o color de piel, empezar a sentipensar desde el espíritu, ese que nos mueve a celebrar, a compartir, y sentirnos vivos. El mural está diseñado para que sea escenario y parte de la celebración, también representa la vibración y el movimiento del tambor que somos, danza que nos une en el latir de la tierra. Por otro lado, me fijé en las características estructurales de la pared y vi que tenía unas flores, y lo vinculé con el florecimiento del arte y de la agrupación, de las raíces ancestrales.

-El 8 de marzo es una fecha de lucha, pero también de encuentro. ¿Cómo dialoga tu mural con la historia específica de 'La Llamada' en nuestra ciudad?

-Esta agrupación nació en esta fecha porque ya en ellas y en mi hay una impronta feminista de lucha por nuestros derechos y los de la diversidad, es un llamado a reunirnos en torno a la alegría pero también a los llamados urgentes como comunidad.

-¿Por qué consideras que son importantes estos espacios?

-Porque son los lugares que nos llevan a conectarnos con los sentidos de forma profunda, a habitar la exploración, que puede transformarse en sanación y autoconocimiento.

Dejará inaugurado un mural el 8 de marzo por el Día de la Mujer y el 12 º aniversario de Orún Aiyé.