LOCALES. Los colores del Azul

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Por Eduardo Agüero Mielhuerry - Especial para EL TIEMPO

La pintura ha sido durante siglos el principal medio para documentar la realidad, reflejando en sus imágenes el devenir histórico de las distintas culturas y sus costumbres. Ha tenido un desarrollo cronológico y estilístico con diversas particularidades en el tiempo y en el espacio debido a numerosos factores, que van desde los derivados de las múltiples técnicas y materiales empleados en su creación hasta factores socioculturales y estéticos.

La pintura es el arte y técnica de crear imágenes a través de la aplicación de pigmentos de color sobre una superficie, sea papel, tela, madera, pared, o cualquier otro material. Su clasificación como arte ha variado a lo largo del tiempo, empero no fue hasta el siglo XVI que empezó a considerarse que la pintura, la arquitectura y la escultura eran actividades que requerían no sólo oficio y destreza, sino también un tipo de concepción intelectual que las hacían superiores a otros tipos de manualidades.

El concepto de Bellas Artes fue formulado por Charles Batteaux en 1746. Dos años antes, Giambattista Vico había sugerido el nombre de “agradables” y James Harris las llamó “elegantes”. Pero sólo triunfó el adjetivo de Batteaux, que decía que la característica común a las bellas artes es que imitan la realidad. Todas las artes son miméticas. Así quedaron catalogadas en seis: pintura, escultura, arquitectura, literatura, música y danza.

Más adelante, la lista sufrió cambios según los distintos autores que añadieron o quitaron artes. Con la llegada de la modernidad y las nuevas tecnologías, el cine, la fotografía y la historieta, se incorporaron a la nómina.

Actualmente se entiende como estilo a aquella cualidad que identifica la forma de trabajar, de expresarse o de concebir una obra de arte por parte del artista, o bien de un conjunto de artistas u obras con puntos en común, agrupados geográfica o cronológicamente. También cabe tener en consideración para el estudio histórico de la pintura su clasificación en diversos géneros (especialización temática): retrato y autorretrato, desnudo, bodegón y vanidades, paisaje y marina, pintura de mitología, pintura de historia, pintura de género y pintura religiosa.

Por último, cabe tener en cuenta los distintos procedimientos técnicos empleados en pintura: óleo, acrílico, acuarela, aguada o gouache, fresco, miniatura, pastel y temple.

El mundo en una paleta 

La historia de la pintura comprende desde la Prehistoria hasta la Edad Contemporánea, e incluye todas las representaciones realizadas con las diferentes técnicas. Las pinturas rupestres más antiguas conocidas -que representaban animales y/o humanos a menudo en actitud de caza- se encuentran en la Cueva de Chauvet (Francia), fechadas por algunos historiadores en unos 32.000 años.

Las imágenes que se observan en papiros o las paredes de las tumbas egipcias -algunas datadas en unos 5.000 años-, son escenas de la vida cotidiana y mitológicas, simbolizadas con los rasgos característicos de perfil y utilizando el tamaño de las figuras como rango social.

En la Antigua Roma era normal decorar los muros de las casas y palacios principales. En la época paleocristiana se supieron decorar las catacumbas con escenas del Nuevo Testamento y Jesús, siendo figuras estáticas, con grandes ojos que parecían mirar al espectador. Este estilo continuó en la escuela bizantina de Constantinopla. La pintura románica se desarrolló entre los siglos XII y XIII; la mayoría de las veces sus temas eran religiosos, realizados para los ábsides y muros de las iglesias. En pintura gótica además de los temas religiosos se representan temas laicos principalmente en Francia e Italia.

En el Renacimiento la pintura tuvo una gran influencia clásica, desarrollando la perspectiva lineal y el conocimiento de la anatomía humana; también en esta época apareció la técnica del óleo. Fue una época de grandes pintores entre los que destacaron Leonardo da Vinci, Miguel Ángel Buonarroti, Rafael Sanzio y Donatello.

La Iglesia de la Contrarreforma buscó el arte religioso auténtico para contrarrestar la amenaza del protestantismo. Las dos características más importantes del manierismo eran el rechazo de las normas y la libertad en la composición, en los colores y en las formas; la novedad de los caravaggistas era un naturalismo radical que combinaba la observación física detallada con una aproximación, incluso teatral y dramática mediante el claroscuro, el uso de luz y sombra. Caravaggio y Annibale Carracci fueron dos pintores coetáneos, considerados decisivos en la conformación pictórica del barroco. La pintura barroca se caracterizó por el dinamismo de sus composiciones; se distinguieron entre otros Velázquez, Rubens y Rembrandt. En la primera mitad del siglo XVIII se impuso, principalmente en Francia y Alemania, el rococó, más alegre y festivo que el barroco.

El romanticismo de principios del siglo XIX expresaba estados de ánimos y sentimientos intensos. En Francia el pintor más importante fue Delacroix; en el Reino Unido, Constable y Turner; en los Estados Unidos, Thomas Cole; y en España, Francisco de Goya. Con la invención de la fotografía a mediados del siglo XIX, la pintura empezó a perder su objetivo histórico de proporcionar una imagen realista; el impresionismo, con Manet como precursor, es un estilo de pinceladas sueltas y yuxtaposición de colores sin interesarse por los detalles concretos.

El inicio del siglo XX se caracteriza por la diversidad de corrientes pictóricas: el Fauvismo, que rechaza los colores tradicionales y se acerca a colores violentos; el Expresionismo, que mostraba más los sentimientos que la reproducción fiel de la realidad; el Cubismo con Georges Braque y Picasso, con la descomposición de las imágenes tridimensionales a puntos de vista bidimensionales; y la pintura abstracta, heredera del cubismo. El expresionismo abstracto se desarrolló en Nueva York entre los años 1940 y 1950; el Pop art llegó un poco después, con un conocido exponente en Andy Warhol. El minimalismo se caracteriza por la búsqueda de la máxima expresión con los mínimos recursos estéticos.

Bajo el cielo de la albiceleste

En Argentina, se encuentra la Cueva de las Manos, una de las obras maestras de la pintura en el Paleolítico en el Río Pinturas, en la provincia de Santa Cruz. Han sido declaradas por la UNESCO como parte del Patrimonio de la Humanidad.

Otro importante registro pictórico de la prehistoria se localiza en el norte de Córdoba, en los cerros Colorado, Veladero, Intihuasi y el Desmonte.

Diversos registros pictóricos se encuentran entre las culturas prehispánicas que habitaron en el actual territorio argentino. En el noroeste andino, las civilizaciones agroalfareras que allí se desarrollaron, poseyeron un amplio desarrollo de la pintura en cerámicas y piezas de piedra, entre las que se destacó la imagen felina. Esta pintura fue estudiada especialmente por el destacado pintor argentino Enrique Sobisch.

Durante la dominación colonial española, la pintura se desarrolló principalmente como arte religioso en las iglesias, destinado a cristianizar a los pueblos indígenas.

Otra fuente de la pintura colonial son los libros y manuscritos realizados por colonizadores, sacerdotes, científicos y visitantes. Entre estos se destacan los dibujos y acuarelas del jesuita alemán Florián Paucke (1719-1789).

En el actual noroeste argentino se desarrolló en las iglesias la escuela cuzqueña, con sus imágenes de ángeles arcabuceros y vírgenes triangulares (sincretismo del culto a la virgen María y la Pachamama). Así se integró un estilo pictórico estrictamente americano que se desarrolló en el Marquesado de Yavi en la puna de Jujuy, siendo su maestro Mateo Pisarro.

En los primeros años del siglo XIX, ya en tiempos de la independencia, varios artistas extranjeros visitaron y residieron, y dejaron sus obras en estos lares. Entre ellos, el marino inglés Emeric Essex Vidal (1791-1861), que fue un acuarelista de importantes testimonios gráficos; el marino Adolfo D’Hastrel (1805-1875), que publicó sus dibujos y acuarelas en el libro “Colección de vistas y costumbres del Río de la Plata” (1875); y el litógrafo César Hipólito Bacle (1790-1838); entre otros.

A pedido del presidente Bernardino Rivadavia, el saboyano Charles Henri Pellegrini (1800-1875) llegó a Buenos Aires -procedente de Italia- en 1828, para la realización de obras en el puerto de Buenos Aires. Pero el proyecto se canceló y debió aprovechar sus dotes de dibujante y pintor. Se vinculó con el César H. Bacle y se dedicó especialmente a hacer retratos, ejecutando entre octubre de 1830 y septiembre de 1831 nada menos que doscientos trabajos. Casualmente, en una litografía del ’30, se observa el viejo e histórico Cabildo, la verja del a Catedral y el edificio de la Policía. En primer plano a la derecha se destacan “los altos de Urioste”, la primera casa de tres pisos edificada en Buenos Aires, enviada a construir por el vizcaíno Félix Urioste, abuelo de don Federico Urioste, quien fuera un destacado intendente del Azul en los primeros años del siglo XX. Y vale agregar que Charles fue el padre del presidente argentino, Carlos Pellegrini.

En la tercera década del siglo surgió Carlos Morel (1813-1894), siendo considerado el primer pintor estrictamente argentino. Poco después le siguieron Prilidiano Pueyrredón (1823-1870) y Cándido López (1840-1902), que registraron en la pintura la vida de los gauchos y las guerras de la Argentina.

Desde mediados del siglo XIX se comenzaron a organizar las primeras instituciones artísticas del país, fundamentalmente la Sociedad Estímulo de Bellas Artes y el Museo Nacional de Bellas Artes, cuyo primer director fue el pintor Eduardo Schiaffino. La gran ola de inmigración estableció una fuerte relación con la pintura europea a través principalmente de pintores italianos o sus descendientes. Eduardo Sívori (1847-1918), introdujo el naturalismo, con obras clásicas como El despertar de la criada, seguido por pintores como Reynaldo Giudici (1853-1927) y Ernesto de la Cárcova (1866-1927) -destacado con Sin pan y sin trabajo-. Ángel della Valle (1852-1903), desarrolló una corriente de pintura costumbrista del campo, con obras como La vuelta del malón.

Expresión de visiones autónomas

Al comenzar el siglo XX, el azuleño Martín Malharro (1865-1911) introdujo el impresionismo a la Argentina con una exposición propia realizada en 1902 y con su prédica inquebrantable. Lo siguieron pintores como Faustino Brughetti (1877-1956), Walter de Navazio (1887-1919) y Ramón Silva (1890-1919).

Poco después, Fernando Fader (1882-1935) y los artistas del grupo Nexus, comenzaron a presionar por el desarrollo de corrientes artísticas que, sin ignorar ni desconocer la pintura de moda en París, fueran capaces de expresar visiones autónomas. Y en definitiva el siglo XX fue una verdadera paleta de colores e infinitas tonalidades…

Y entre muchos supo destacarse el porteño Tomás María Santiago “Tito” Saubidet Gache. (1891-1953). Estudió bellas artes en la escuela del antiguo Bon Marché bajo la dirección del maestro Parisi. Se perfeccionó por veinte años en Francia como ágil dibujante y acuarelista, inclinándose hacia una temática de carácter costumbrista y galante. En 1930 se radicó en Tapalqué y la temática de sus pinturas adoptó un tono decididamente criollo. Más tarde se trasladó a residir un tiempo en Azul, profundizando la observación de los usos y costumbres criollos. Ilustró dos distintas ediciones del “Martín Fierro” y muchas de las páginas de “Pelajes Criollos” de Emilio Solanet. En 1943 publicó el “Vocabulario y Refranero Criollo”, obra en la cual volcó en pinturas y acuarelas su profundo conocimiento de las costumbres y el lenguaje de los hombres del campo argentino.

Y la historia ha de guardar nombres inolvidables: Juan Carlos Castagnino, Lino Enea Spilimbergo, Xul Solar, Benito Quinquela Martín, Raúl Soldi, Emilio Pettoruti, León Ferrari, Raquel Forner, Demetrio Urruchúa, Ramón Gómez Cornet y Ernesto Deira… sólo algunos de los tantos colores mágicos del arco iris artístico argentino…

COLORES AZULEÑOS

La historia de Azul no sólo se escribió -y se continúa escribiendo-, con el sacrificio de muchos hombres y mujeres, sino que a su vez tiene la enorme fortuna de haber sido preservada en gráciles pinceladas por manos expertas, cargadas de luces y sombras, de magia… Historias de este mundo y de otros; paisajes cotidianos y utópicos, tan nuestros, tan propios y tan ajenos. Sus obras nos llevan a otros tiempos, a sus vívidos momentos de infancias diferentes, de romances olvidados… de añoranzas y negaciones. Atravesar el umbral de los colores fue el desafío que ellos nos plantearon…

Y desde el próximo domingo, en las páginas de “El Tiempo”, han de quedar guardadas las historias de cuatro pintores -elegidos entre tantos, tal vez por azar o por capricho-, que marcaron sus épocas cambiando sustancialmente la cotidianeidad azuleña. A partir del próximo domingo comenzaremos a descubrir “Los colores del Azul”.